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Las vanguardias del siglo XX


 



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La vanguardia figurativa


Introducción

El fenómeno del arte de vanguardia es uno de los más típicos de la cultura contemporánea. El término vanguardia denota la acción de un grupo o movimiento artístico que experimenta formas y temas con anticipación respecto a la producción normal.
Entre las muchas contradicciones de la vanguardia está la de una doble exigencia: por una parte se persigue un arte puro, por otra se alienta continuamente la intención de un arte social comprometido. De este dualismo deriva el segundo, el que exige de un lado una especie de reducción de toda la realidad a una sola experiencia específica y de otro una correspondencia entre todos los sectores artísticos y de éstos con la vida, hasta tal punto que la vanguardia se convierte en algo global, en una ideología. Se desarrolla antes y después de la primera guerra mundial.


La pura visibilidad

La pura visibilidad es la teoría es el método crítico- estético más adecuado para comprender las tendencias geométricas- constructivas, como el cubismo, el purismo, el neoplasticismo, el constructivismo, etc.
La teoría de la pura visibilidad se debe a Konrad Fiedler, quien se propone estudiar las artes figurativas independientemente de lo que representan. Es decir, considerar la pintura, la escultura y la arquitectura por sus valores formales, por sus aspectos puramente visuales. Sostiene que existe un conocimiento de la realidad a través de las formas visuales del arte.
De acá se deduce que la naturaleza de por sí no dice nada al arte. A esto podemos atribuir el distanciamiento progresivo del arte y la naturaleza, actitud que encontraremos casi como una constante en las corrientes de las vanguardias del siglo XX. En lugar de la imitación, se exige del arte una función de orden y de clarificación.
Otro tema teórico de Fiedler encontró amplia correspondencia en muchas poéticas de la vanguardia. Separa lo bello del arte. No estudia el arte como un objeto de placer estético, sino como un lenguaje al servicio del conocimiento.
El código académico, la estética psicológica y la cultura del Einfuhlung pierden valor al poder ser la obra de arte fea. Su concepto del valor relativo de la belleza es precursor del expresionismo, del interés por el arte negro, la descomposición cubista, las asimetrías neoplásticas, y por el dinamismo espacial, de la nueva arquitectura.


El impresionismo

Fue un momento del gusto en la producción de algunos pintores, entre 1870 y 1880, importante por su interés como primer movimiento hacia un arte autónomo. Pintores como Monet, Manet, reaccionaron contra la pintura histórica y propusieron un arte que se apoyara exclusivamente en el valor de la imagen, recogida al aire libre en contacto con la naturaleza.
Descomponiendo los colores en pinceladas pequeñas muy próximas, intentaron traducir los colores en luces. Esto pone acento en la técnica, entendida como búsqueda expresiva.
La representación de la naturaleza sufrirá varias transformaciones hasta que cese del todo con el arte abstracto. Las obras de los pintores resultará muy parecida a la de los arquitectos cuando quede librada de toda influencia de la naturaleza, para concentrarse en los valores cromáticos y compositivos, en la lógica interna del cuadro.
Un pintor impresionista es Paul Cézanne. En vez de captar una impresión efímera, tiende a introducir en su arte el clasicismo. Los colores pierden en luminosidad, pero su pintura se consolida en formas cerradas y compactas. Sostiene que todas las representaciones de la realidad pueden reducirse a las formas del cubo, del cilindro, de la esfera, etc. Esta acentuación de la geometría anticipa el cubismo.


El simbolismo

Entre las corrientes postimpresionistas de importancia por su relación con la arquitectura está el simbolismo. Marca una separación más profunda con la naturaleza. Para Maurice Denis, un cuadro es una tela recubierta de colores dispuestos con un determinado orden. La nueva pintura habría sido una expresión de ideas traducidas en símbolos.


El fauvismo

Fue un movimiento cuyo objetivo era la síntesis forma color. En las obras de estos artistas había dibujos y trazados lineales, resultando la imagen de la yuxtaposición violenta de zonas de colores primarios. Este movimiento inspiró el expresionismo y el cubismo.


El expresionismo

Toda experiencia de vanguardia desemboca en el expresionismo y, de él parten todas las corrientes del arte moderno. Entendido como la continuación del Jugendstil, puede considerarse como el más subjetivo y romántico.
Decae toda forma decorativa para dar lugar a la deformación de los objetos representados.
Los pintores expresionistas rechazan cualquier experiencia pictórica, planteando la necesidad de un lenguaje figurativo que se renueve en cada obra.


El cubismo

Como rasgos descriptivos del lenguaje cobista podemos señalar: construcción de imágenes mediante una estructura geométrica; representación plástica de los objetos a través de los planos que los constituyen; multiplicidad de las configuraciones al cambiar el punto de vista; representación de la totalidad de la espacialidad del objeto; simultaneidad de las visiones; fusión de la figura con el fondo. Declaraban pintar no lo que veían, sino lo que sabían.
El cubismo rompe con la perspectiva del Renacimiento. Considera los objetos desde varios puntos de vista, ninguno de los cuales tiene dominio absoluto. De esta manera, a las tres dimensiones del Renacimiento, que se han tenido durante siglos como caracteres fundamentales, añade una cuarta, el tiempo. La cuarta dimensión vincula el cubismo con el racionalismo. La insistencia cubista en la investigación espacial obliga a los arquitectos a concebir en términos de volumen y no en términos de masa y de compacidad.
Podría decirse que este lenguaje antecede a la arquitectura racional. La discrepancia fundamental entre cubismo y racionalismo radica en que, mientras que la fuerza de la arquitectura racional está en correspondencia precisa con el programa, la del cubismo está en el deseo de ser reformador.
Así, el cubismo es solo uno de los componentes del racionalismo arquitectónico.


El purismo

El primer movimiento que deriva del cubismo es el purismo, surgido por obra de Le Corbusier con el manifiesto Apres le cubisme, redactado en 1918. Los puristas se plantean una pintura absolutamente objetiva implicando la moderna civilización mecánica. Sus cuadros son composiciones objetivas de elementos simples, que se unen con el fondo en una imagen unitaria sin elementos sobresalientes. El purismo no fue un gran movimiento pictórico, pero sancionó la unión entre el arte y la producción industrial.


El futurismo

El futurismo fue el primer movimiento de vanguardia propiamente dicho.
Encarnó la ruptura con el pasado, el maquinismo, el belicismo, las actitudes provocadoras y profanadoras, proclama una posición anticipadora del tiempo futuro.
En pintura traduce en formas plásticas y en colores chillones los ideales y los mitos contra la tradición. Todos los pintores trataron de reproducir el sentido de la velocidad.
La arquitectura futurista traduce en formas e ideas arquitectónicas las premisas generales del movimiento: rechazo de todos los estilos tradicionales, destrucción del ambiente preexistente, exaltación de la producción mecánica, empleo de nuevos materiales, dinamismo de la forma arquitectónica producida por líneas de efectos dinámicos y por el propio dinamismo de los ascensores, metropolitanos, puentes colgantes, etc.


El dadaísmo

La primera guerra mundial marca una división entre las vanguardias pre y postbélicas. La guerra transformó los objetivos de las vanguardias. La vanguardia se realiza en los países neutrales a la guerra, Holanda y Suiza.
Tuvo un carácter irónico y provocador, y desempeñó un papel importante en el desarrollo de la vanguardia internacional. Confirió una mayor libertad y falta de prejuicios a las formas de los cubistas.


El neoplasticismo

Nace en Holanda en 1917 con la revista De Stijl. Entra en el arte abstracto, en el continuo proceso de alejamiento de la naturaleza, y lo resuelve con la desaparición de las referencias naturalistas, en beneficio de las formas geométricas, orgánicas o de fantasía. Las tesis del movimiento se basan en la lucha contra el individualismo, el rechazo al mimetismo, en una unidad estrecha entre pintura, escultura y arquitectura. Tiene un lenguaje muy claro: en pintura, las líneas se cortan únicamente a 90º, los recuadros son de colores rojo, amarillo y azul; en arquitectura, la descomposición la descomposición del volumen en planos de colores, la eliminación de vanos, reemplazándose estos por los espacios faltantes entre planos, muros privados de jerarquía y necesidad de recorrer el edificio para reconocer sus partes.


Suprematismo y constructivismo

El suprematismo, cuyo emblema puede ser el cuadrado negro sobre fondo blanco, plantea una nítida distinción entre actividad práctica y creación artística. El suprematismo equivale a la supremacía de la sensibilidad sobre la representación naturalista o expresionista. En el campo de la arquitectura prescinde de todo objetivo práctico. Son sensaciones plásticas. Un ejemplo es la arquitectura, construcciones reales pero carentes de un destino inmediato.
Entre el suprematismo y el constructivismo hubo convergencias, como la conformación abstracta, y divergencias: las sensaciones puras contraponen un elevado interés por la técnica del constructivismo.
Paralelamente a estos dos movimientos hay otra tendencia, la del formalismo. Se refiere a la teoría de la pura visibilidad. El formalismo en la arquitectura intenta el establecimiento de unas formas simbólicas y la institucionalización de un auténtico lenguaje arquitectónico comunicativo.
La vanguardia arquitectónica y la arquitectura del expresionismo
Existe una vanguardia arquitectónica expresionista y una producción arquitectónica de edificios con sello expresionista.
El expresionismo en arquitectura actúa con un notable retraso respecto al de los pintores, y solo adquiere consistencia en Alemania. En un clima de país derrotado, nace un movimiento artístico, al que se adhirieron entre otros Gropius y Mies Van der Rohe, en el intento de unificar el arte y el pueblo. La arquitectura era el punto de convergencia de todas las iniciativas. El cinismo y el conformismo son el lado negativo. El lado positivo se expresa en el entusiasmo por la realidad inmediata que resulta de considerar las cosas de manera completamente objetivas.
Para afirmar sus ideales de una arquitectura que tenga sus raíces en la espiritualidad frente a lo utilitario, que pretenda la unificación de todo tipo de trabajo creativo, desde el artesanal al mecánico, los expresionistas llevan su protesta a tal punto que rechazan todo compromiso profesional, reduciendo sus obras a los dibujos.
El desarrollo del expresionismo desemboca en el racionalismo. Las imágenes irrealizables de la vanguardia dieron lugar a una auténtica producción de edificios expresionistas. Lo primero es un desarrollo natural de la vanguardia hacia lo racional. La segunda es una corriente paralela que compite con el racionalismo. Entre el llamado utopismo de la arquitectura del expresionismo y el racionalismo riguroso no existe una contradicción, sino una continuidad.
En el expresionismo no se encuentran muchas constantes. Se puede mencionar el uso del hormigón armado con todas sus posibilidades plásticas, la adopción del vidrio independientemente de sus propiedades, el gusto por el detalle, la intención de fundir orgánicamente el edificio con el paisaje.
Zevi sostiene que el expresionismo es un componente permanente de la arquitectura moderna. Desde Gaudí y la capilla de Ronchamp de Le Cobuseir, hasta Gropius.


 





 

 

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